Le mot tempo vient de l’italien et signifie littéralement « temps ». Il est issu du latin tempus, qui désigne le temps, une saison ou une période.

Le tempo est l’un des éléments essentiels de la musique. Il détermine la vitesse à laquelle une œuvre est interprétée. On peut le comparer à la lecture d’un poème : prononcer les mêmes mots rapidement ou lentement peut modifier considérablement l’expérience de l’auditeur.

Dans la musique vocale, le tempo influence le caractère de l’ensemble de la composition. Il agit sur le phrasé, la respiration des chanteurs, la clarté des paroles et la manière dont la musique est perçue sur le plan émotionnel.

Un tempo bien choisi aide également les chanteurs à conserver leur précision rythmique et à se coordonner entre eux, ainsi qu’avec les éventuels musiciens accompagnateurs. Si le tempo est trop rapide ou trop lent, la justesse, l’articulation et la cohésion de l’ensemble peuvent devenir plus difficiles à maîtriser.

 

Comment le tempo est-il indiqué ?

Pendant des siècles, les partitions n’ont pas comporté d’indications de tempo aussi précises que celles que nous connaissons aujourd’hui. Les interprètes déterminaient la vitesse en fonction du caractère de l’œuvre, du style musical et, dans la musique vocale, de la bonne compréhension du texte.

À partir de l’époque baroque, l’usage de termes italiens tels que Lento, Andante, Allegro ou Presto se généralise progressivement, sous l’influence majeure de la musique italienne en Europe. Ces termes n’indiquent pas seulement une vitesse : ils suggèrent également un caractère et une manière de faire avancer la musique.

Au début du XIXe siècle, Johann Nepomuk Mälzel contribue à mettre au point et à populariser le métronome. Cet instrument permet d’exprimer le tempo en battements par minute, ou BPM. Par exemple, l’indication ♩ = 60 signifie que l’on compte 60 noires par minute, soit un battement par seconde. Beethoven fut l’un des premiers compositeurs à adopter et à promouvoir ces indications métronomiques.

Les fourchettes de BPM associées aux termes italiens restent toutefois approximatives. Elles peuvent varier selon les époques, les œuvres et les sources, et certaines se chevauchent naturellement.

Du tempo le plus lent au plus rapide, les principales indications peuvent être regroupées de la manière suivante :

Les tempos lents

• Grave : très lent, solennel et pesant — environ 20 à 40 BPM.
• Largo : ample et très lent — environ 40 à 60 BPM.
• Lento : lent, dans un mouvement calme et soutenu — environ 45 à 60 BPM.
• Adagio : lent et posé, souvent avec un caractère gracieux ou expressif — environ 60 à 76 BPM.

Les tempos modérés

• Andante : à l’allure de la marche, fluide et sans précipitation — environ 76 à 108 BPM.
• Moderato : à une vitesse modérée et maîtrisée — environ 108 à 120 BPM.
• Allegretto : assez vif, mais généralement un peu plus lent et plus léger que l’Allegro — environ 102 à 120 BPM.

Les tempos rapides

• Allegro : rapide et vif — environ 120 à 168 BPM.
• Vivace : vif, animé et généralement très rapide — environ 156 à 176 BPM.
• Presto : extrêmement rapide et énergique — environ 168 à 200 BPM.

Ces valeurs doivent être considérées comme des repères et non comme des règles strictes. Un Andante et un Moderato peuvent, par exemple, présenter une indication métronomique similaire sans pour autant exprimer le même caractère musical.

 

Comment le tempo influence-t-il le chant choral ?

Un tempo lent peut créer une impression de calme, de profondeur, de solennité, de tristesse ou de tendresse. Pour les chanteurs, il exige souvent une bonne maîtrise du souffle, un soutien vocal régulier et la capacité à maintenir la ligne musicale sur de longues durées.

Un tempo rapide peut apporter de l’énergie, de l’enthousiasme ou de la légèreté. Il laisse moins de temps aux chanteurs pour respirer, articuler les consonnes et passer avec précision d’une note à l’autre. La clarté de la diction, la précision rythmique et l’attention portée au chef deviennent alors particulièrement importantes.

Une composition peut également comporter des changements de tempo. Un accelerando indique une accélération progressive, tandis qu’un ritardando ou un rallentando demande aux interprètes de ralentir progressivement. L’indication a tempo marque le retour au tempo précédent, généralement celui qui était établi avant le changement.

Ces variations donnent du mouvement et de l’expression à la musique, tout en contribuant à maintenir l’attention de l’auditeur.

 

Tempo, respiration et cohésion du chœur

Les passages rapides obligent généralement les chanteurs à prendre des respirations brèves et efficaces, à des moments soigneusement choisis. Les passages plus lents exigent souvent des expirations plus longues et mieux maîtrisées afin que le son reste soutenu tout au long de la phrase.

Dans un chœur, chaque chanteur doit également partager la même perception de la pulsation. Le respect du tempo évite que l’ensemble ne devienne confus ou que certaines voix ne se décalent par rapport aux autres ou aux instruments accompagnateurs.

Le tempo est généralement indiqué au début de la partition et peut évoluer au cours de l’œuvre. Pendant les répétitions et les concerts, le chef établit le tempo choisi, prépare les entrées et veille à ce que l’ensemble avance d’un même mouvement.

Le tempo est donc bien plus qu’une simple question de vitesse. De la gravité du Grave à l’énergie du Presto, il façonne la respiration, le phrasé, la clarté et le caractère émotionnel de la musique chorale.

 

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From Grave to Presto: How Tempo Shapes Choral Singing

The word tempo comes from Italian and literally means “time”. It derives from the Latin word tempus, which refers to time, a season or a period.

Tempo is one of the essential elements of music. It determines the speed at which a piece is performed. It can be compared to reading a poem: saying the same words quickly or slowly can considerably change the listener’s experience.

In choral singing, tempo influences the overall character of a composition. It affects phrasing, the singers’ breathing, the clarity of the words and the way in which the music is perceived emotionally.

A well-chosen tempo also helps singers maintain rhythmic accuracy and coordinate with one another, as well as with any accompanying musicians. If the tempo is too fast or too slow, intonation, articulation and the cohesion of the ensemble can become more difficult to control.

 

How Is Tempo Indicated?

For centuries, musical scores did not include tempo markings as precise as those we know today. Performers determined the speed according to the character of the work, the musical style and, in vocal music, the need for the text to be clearly understood.

From the Baroque period onwards, Italian terms such as Lento, Andante, Allegro and Presto gradually became widely used, reflecting the major influence of Italian music throughout Europe. These terms indicate more than speed alone: they also suggest a particular character and a way of moving the music forward.

In the early nineteenth century, Johann Nepomuk Mälzel helped to develop and popularise the metronome. This device made it possible to express tempo in beats per minute, or BPM. For example, the marking ♩ = 60 means 60 crotchet beats per minute, or one beat per second. Beethoven was one of the first composers to adopt and promote metronome markings.

However, the BPM ranges associated with Italian tempo terms remain approximate. They may vary depending on the period, the work and the source, and some naturally overlap.

From the slowest to the fastest, the principal tempo markings can be grouped as follows:

Slow Tempos

• Grave: very slow, solemn and weighty — approximately 20 to 40 BPM.
• Largo: broad and very slow — approximately 40 to 60 BPM.
• Lento: slow, with a calm and sustained movement — approximately 45 to 60 BPM.
• Adagio: slow and measured, often with a graceful or expressive character — approximately 60 to 76 BPM.

Moderate Tempos

• Andante: at a walking pace, flowing and unhurried — approximately 76 to 108 BPM.
• Moderato: at a moderate and controlled speed — approximately 108 to 120 BPM.
• Allegretto: fairly lively, but generally a little slower and lighter than Allegro — approximately 102 to 120 BPM.

Fast Tempos

• Allegro: fast and lively — approximately 120 to 168 BPM.
• Vivace: lively, animated and generally very fast — approximately 156 to 176 BPM.
• Presto: extremely fast and energetic — approximately 168 to 200 BPM.

These values should be regarded as guidelines rather than strict rules. An Andante and a Moderato, for example, may have similar metronome markings while expressing quite different musical characters.

 

How Does Tempo Influence Choral Singing?

A slow tempo can create a sense of calm, depth, solemnity, sadness or tenderness. For singers, it often requires good breath control, consistent vocal support and the ability to sustain the musical line over long phrases.

A fast tempo can bring energy, enthusiasm or lightness. It gives singers less time to breathe, articulate consonants and move accurately from one note to the next. Clear diction, rhythmic precision and close attention to the conductor then become particularly important.

A composition may also include changes of tempo. An accelerando indicates a gradual increase in speed, while a ritardando or rallentando asks the performers to slow down progressively. The marking a tempo indicates a return to the previous tempo, generally the one established before the change.

These variations bring movement and expression to the music while helping to hold the listener’s attention.

 

Tempo, Breathing and Choral Cohesion

Fast passages generally require singers to take short, efficient breaths at carefully chosen moments. Slower passages often demand longer, better-controlled exhalations so that the sound remains supported throughout the phrase.

In a choir, every singer must also share the same sense of the pulse. Maintaining the tempo prevents the ensemble from becoming confused and ensures that individual voice parts do not fall out of step with one another or with the accompanying instruments.

The tempo is generally indicated at the beginning of the score and may change during the course of the work. In rehearsals and concerts, the conductor establishes the chosen tempo, prepares the entries and ensures that the whole ensemble moves forward together.

Tempo is therefore much more than a simple matter of speed. From the solemnity of Grave to the energy of Presto, it shapes the breathing, phrasing, clarity and emotional character of choral music.

 

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